Una nueva tecnología permite controlar videojuegos con los ojos 

Un equipo de estudiantes del Imperial College London, en el Reino Unido, ha desarrollado un juego de ordenador que se controla con el movimiento de los ojos.
La tecnología utilizada para el desarrollo de este juego permitirá que personas con discapacidades físicas serias –como una parálisis- se conviertan en jugadores de video juegos por vez primera, publica el Imperial College London en un comunicado, entre otras aplicaciones potenciales.
Los estudiantes adaptaron un videojuego originariamente lanzado en 1972 y llamado Pong, que consiste en que uno o dos jugadores controlen el movimiento de la pelota que aparece en pantalla, moviendo verticalmente las paletas situadas a ambos lados de ésta, como en una partida de tenis de mesa o de ping pong.
Esta adaptación permite a cualquier usuario mover la paleta utilizando sólo con la mirada. Para hacerlo, el jugador debe colocarse unas gafas especiales que contienen una luz infrarroja y una cámara web que registra el movimiento de uno de sus ojos.
Esta cámara está conectada a un ordenador portátil, que a su vez tiene un programa informático que se encarga de sincronizar los movimientos del ojo con los del juego.
Por ahora, el prototipo de juego es muy sencillo, pero los estudiantes creen que la tecnología que lo ha hecho posible podría ser adaptada para controlar otros juegos y aplicaciones más sofisticados, aprovechando simplemente los movimientos oculares.
Tecnología barata y disponible online
Uno de los principales beneficios de esta novedosa tecnología es que es barata: dado que utiliza accesorios actualmente comercializados, el sistema puede fabricarse por menos de 30 euros.
Otros sistemas usados por los científicos para estudiar el movimiento de los ojos y el cerebro cuestan alrededor de 30.000 euros, afirman los investigadores.
Aldo Faisal, supervisor del equipo de estudiantes que ha creado el prototipo (pertenecientes a los departamentos de informática y de bioingeniería del Imperial College Lodon) afirma que el prototipo ha sido creado utilizando elementos que pueden comprarse en una tienda, como una webcam.
Dado que no precisa de un equipamiento muy caro, la tecnología tiene un enorme potencial, señala Faisal.
Los científicos permitirán que dicha tecnología se encuentre disponible online, para cualquiera que esté interesado en crear nuevas aplicaciones y juegos, y son optimistas con las utilidades que puedan encontrársele.
Tareas más complejas
En especial, los creadores de esta versión de Pong desean que el sistema proporcione opciones de ocio para personas con escasa movilidad.
En el futuro, afirman, la gente podrá pasar las páginas de los libros electrónicos sólo con un parpadeo o hacer sonar su canción favorita simplemente con un movimiento de ojos.
Los científicos están entusiasmados con la idea de que su tecnología sirva para que otros puedan desarrollar nuevos juegos y aplicaciones, pero también siguen trabajando para redefinir el sistema para que éste pueda registrar los movimientos de ambos ojos, y no de uno solo.
Si lo consiguen, se podrán llevar a cabo tareas más complejas sólo con la mirada, como dirigir una silla de ruedas motorizada, por ejemplo.

 

¿Un videojuego de Star Wars podría cambiar al cine?

Recientemente ha circulado un video en donde supuestamente se muestra al personal de Lucasfilm trabajando en Star Wars 1313, uno de los títulos que se quedaron a medio camino tras la desaparición de LucasArts. Más allá del propio juego, lo interesante es el clip muestra lo que podría ser el futuro de la realización cinematográfica por computadora.
En el video, podemos apreciar a dos actores vistiendo trajes de captura de movimiento, los cuales son digitalizados y convertidos al instante en personajes de la clásica saga de Star Wars (C3PO y un Stormtrooper, concretamente). Quizá esto no tenga mucho de innovador, ya que es justo la técnica que se utiliza desde hace tiempo, pero lo interesante surge cuando en el video del render vemos que las texturas, los brillos, la iluminación e incluso los demás efectos visuales (como los rayos láser de las armas, por ejemplo) aparecen en tiempo real, sin necesidad de un proceso de posproducción.
De la misma forma, se nos muestra la capacidad de generar a otros personajes, crear elementos de la escenografía e incluso vehículos o cualquier objeto al mismo tiempo que los actores están interactuando en su entorno virtual, lo cual significaría una especie de mezcla entre la cinematografía de animación por computadora “tradicional” y las técnicas recientes de captura de movimiento que han tenido mayor auge en los videojuegos. Resulta asombroso ver cómo el mismo set de iluminación va cambiando conforme se manipulan las computadoras que generan el render final, lo cual podría sustituir incluso las locaciones al aire libre.
No obstante, el video carece de algún elemento que lo pueda autenticar y al parecer, el único medio que ha difundido el material es The Inquirer. También saltan a la vista algunas “incongruencias” que se destacan en el video, como el caso de que el actor que interpreta a C3PO porta un dispositivo que sirve para hacer capturas de su rostro, lo cual no es necesario si se tiene un casco robótico por cabeza.

Habrá que estar al pendiente para corroborar la veracidad de lo mostrado en el video, pero debemos decir que resulta sumamente atractivo a la vista y hasta cierta medida, posible. Es probable que Star Wars 1313 nunca vea la luz, aunque si esto resulta cierto, Lucasfilm podría capitalizar esta tecnología, esta vez en la pantalla grande.

Dynamation

Cómo empezó la técnica

Durante muchos años, Ray Harryhausen había tenido una idea que permitiría a la acción real ser “separada”, permitiendo así que un modelo fuera insertado en ella y que pareciera interactuar con los actores.

Ya en 1938-39 había experimentado con cristales pintados o mates para su producción Evolution of the World y se dio cuenta de que si un área podía ser eliminada con un mate, por qué no iba a poder hacerse con dos áreas, creando así lo que se conocía como pantalla partida.

La característica Dynamation

Willis O’Brien había insertado modelos tanto en King Kong como en El gran gorila por medio de un “sándwich” de cristales pintados que permitían un efecto tridimensional de animación, pero como Harryhausen sabía, debido a su trabajo en El gran gorila, este método consumía mucho tiempo y era demasiado caro para una producción de bajo presupuesto.

Cuando  presentó su presupuesto para los efectos especiales de El monstruo de tiempos remotos, sabía que tenía que pensar en una manera más práctica con respecto a la interacción del modelo o modelos y la acción real, de manera que realizó algunos experimentos y descubrió que esa idea de las pantallas partidas funcionaba.

La técnica

El proceso era simple pero efectivo. Proyectaba una imagen de acción real sobre una pantalla trasera frente a la cual estaba colocada la mesa de animación con el modelo. Colocaba entonces una lámina de cristal frente a ambos. Cuando la placa de acción real había sido rodada, Ray determinaba dónde quería definir su línea de mate, y así, mirando por el visor de la cámara, reestablecía esa línea y, con un lápiz de cera al final de una vara, seguía la línea dibujándola en el cristal.

Cuando quedaba satisfecho con la precisión de la línea, pintaba entonces, con pintura negra mate, la sección inferior bajo la línea. Fotografiaba entonces la animación del modelo reaccionando ante la acción real en la placa. Después de eso realizaba un segundo pase con la cámara para reincorporar la parte inferior previamente enmascarada con el mate, creando así una imagen combinada de la criatura que parecía ahora formar parte de la acción real.

El nombre Dynamation

Fue para la película Simbad y la princesa que Charles Schneer ideó el nombre Dynamation. Sentado en su Buick mientras esperaba a que el tráfico se pusiera en marcha, se fijó en la palabra Dynaflow en el salpicadero. Se dio cuenta de que la palabra Dyna era perfecta para el estilo de animación, y así la palabra se convirtió en un término comercial para la animación dimensional de Ray Harryhausen. Con los años y con los siguientes largometrajes, el nombre cambió de Super Dynamation a Dynarama y en La gran sorpresa fue titulado “Dynamation: El milagro de la pantalla”.

Consulta libros de Ray Harryhausen y Tony Dalton: An Animated Life, The Art of Ray Harryhausen y A Century of Model Animation.

Pantallas flexibles ¿El nuevo futuro de la visualización digital?

Este tipo de pantallas se ha estado tratando de hacer realidad a manos de los ingenieros, pero no fue hasta el 2012 que se vieron algunos prototipos de estas revolucionarias pantallas capaces de ser dobladas.

Tienen un aspecto de papel y están hechas enteramente de plástico que se dobla y se mueve, esto las convierte en una tecnología, duradera, portátil y móvil.  Con esta capacidad, buscan una nueva e interesante forma de navegación para los usuarios.

La primer aparición de estás pantallas surgió en el 2010, cuando el Industrial Technology Research Institute y el AU Optronics de Taiwán se aliaron para la fabricación para pantallas de e-reader flexibles que usen la tecnología AMOLED.

Pero no fue hasta el año pasado que Nokia presentó un prototipo de está pantalla flexible OLED. Este funcionaba de manera táctil creando un nuevo producto sensible al tacto llamado XSense, que está hecho de una película flexible que puede envolver superficies curvas.

Considerando que las pantallas táctiles fueron una revolucionara forma de navegar en los dispositivos móviles, se cree que estás nuevas pantallas flexibles marquen una tendencia y un cambio mayor en las futuras tecnologías.

Otras compañías telefónicas están buscando e implementando el uso de está nueva tecnología, como Samsung y LG que sacaran sus nuevos dispositivos flexibles este año, las cuales, dicen, están en sus ultimas fases de desarrollo.

¿Será que estás pantallas puedan ser tanto fascinantes y divertidas como prácticas? Hay muchos factores a considerar aún pero no cabe duda que estás pantallas revolucionaran la manera de percibir el mundo digital. 




¿Quién fue Lotte Rieniger?

Lotte Reiniger , nació en  Charlottenburg una pequeña Ciudad de Berlín, vivió de 1899-1981,  por su legado es considerado hoy en día uno de las pioneras más innovadoras de la historia de la animación.
Lotte Rieniger estaba altamente atraída por los títeres y los títeres siluetas del arte chino y desde su infancia comenzó a experimentar, creando a los 6 años de edad su primer teatro de sombras.
El deseo de Lotte Reineger, fue lo que le impulso a traves de su ida a la búsqueda de instituciones donde tuviera la oportunidad de ampliar  y desarrollar  su conocimiento en diferentes instituciones de la Alemania, en compañías de teatro, títeres, trabajaba como animadora por encargo para la emisión se animaciones en cine, colaboraba con otros compañeros, incluso como administrativo en instituciones culturales donde realizaba también animación experimental. 
Fue en la década de los 20´s, su trabajo alcanzo la originalidad y creatividad el gusto por la experimentación en secuencias animadas dio frutos pocos años después en 1926 cuando fue estrenada la primera el primer largometraje en animación alemana, así como una de las más largas en la historia del cine.
El trabajo que la dio a conocer tardo tres años en efectuarlo, realizó aproximadamente  alrededor de 250, 000 fotogramas para darle vida  a las siluetas que participan en “Die Abenteuer des Prinzen Achmed de Reiniger” (Las aventuras del príncipe Achmed ).
Este largometraje contribuyo esencialmente al desarrollo de películas  animadas a través de la técnica de stop motion, es interesante pues se le considero un arte moderno por “sugerir una imagen en movimiento”.
La experimentación de la que era asidua, le concedió esa misma década,  la formulación del diseñó una “cámara multiplano”  o  como ella lo nombraba “ Tricktisch” que trasladaba a la  animación de dos dimensiones a la tercera dimensión . la creación de capas por medio de vidrios debajo de una cámara montada horizontalmente permitió la creación de primeros planos , terrenos, medios y fondos.
Bibliografía:
Schönfeld Christiane ,Lotte Reiniger and the Art of Animation.
http://www.youtube.com/watch?v=VwvIJGsXizE

Por Monserrat

Biografías, Stop Motion

Reemplazo o sustitución

La historia de la animación dimensional comienza con uno de los más famosos innovadores y pioneros, el francés Georges Méliès. En 1896 descubrió, completamente por accidente cuando estaba filmando una escena en la calle para su película Place de l´Opera, que si la cámara se paraba mientras los coches y los vehículos pasaban, una cosa podía reemplazar a la otra. En 1907 recordó que “De repente, vi el ómnibus de Madeleine-Bastille transformarse en un carruaje, y a hombres en mujeres”. Se dio cuenta del potencial del truco y uso reemplazos en muchos de sus cortos de fantasía y de stop-motion, usando bloques de juguete con el alfabeto para una película publicitaria. Llamó a este truco “stop-action”, aunque hoy en día se llama “stop-motion”.

James Stuart Blackton (1875-1941)

Sin embargo, iba a ser un pionero británico, mientras trabajaba en los EE.UU. en 1897, el que se daría cuenta del verdadero potencial de la técnica. Trabajando con su colega Albert Edward Smith, Blackton descubrió la misma técnica de reemplazo mientras trabajaba en un cortometraje en el tejado de un edificio de Nueva York. Cuando vieron la película revelada, observaron que las volutas de vapor que salían de un conducto de ventilación cambiaban de forma. Percatándose de que esto podía haber ocurrido mientras ellos paraban la cámara y la volvían a poner en marcha, planearon usar el truco óptico en un corto al que llamaron The Humpty Dumpty Circus (1898), en el que usaron animales de madera animados de la hija de Blackton.

Tras el éxito del corto, Blackton y Smith hicieron un gran número de cortos innovativos y populares, incluidos Visit to a Spiritualist (1900), The Haunted Hotel (1907) y Princess Nicotine (1909).

Arthur Melbourne-Cooper (1874-1961)

De nuevo en Inglaterra, Arthur Melbourne-Cooper se había interesado por los dibujos en dos dimensiones, pero entonces se dio cuenta de cuanto más interesante podía ser la animación tridimensional. Llamaba a sus creaciones “trick-films” (“películas de trucos”) o “stop-and-start films” (“películas de parar y empezar”), y comenzó con Matches Appeal (1899) usando cerillas animadas. Continuó con Dolly´s Toys (1901), usando juguetes, como había hecho Blackton. Durante la década de 1900 Melbourne-Cooper realizó una serie de cortometrajes, todos ellos con juguetes, incluida la película de 1908 Dreams of Toyland, en la cual animó hasta unos veinte juguetes a la vez.

Edwin Stanton Porter (1869-1941)

Edwin Porter es una de las piedras angulares de la historia del cine, pero no es tan conocido por su trabajo en la animación dimensional. Aunque había usado la técnica con grandes resultados en películas como Fun in a Baker Shop (1902) y Dream of a Rarebit Fiend (1907), no fue hasta The `Teddy´ Bears (1907) que este experto artista se manifestó con una secuencia de noventa segundos dentro de la película que mostraba seis osos de peluche de diferentes alturas realizando acrobacias. Esta secuencia está considerada una de las más entretenidas de la animación dimensional dentro de estos primeros cortometrajes.

Ladislaw Starewitz, también conocido como Wladyslaw Starewicz (1882-1965)

Ladislaw Starewitz (su nombre se escribe de muchas maneras) fue un descendiente de polacos nacido en Moscú. Mientras trabajaba en el Museo de Historia Natural de Kaunas (en la Lituania actual), hizo una película llamada La batalla de los escarabajos rinocerontes (1910). Tras experimentar con escarabajos rinocerontes reales, descubrió que bajo las luces las criaturas o bien morían o se aletargaban. Finalmente, mató a los escarabajos y conservó los caparazones y los unió por medio de alambra y cera de lacrar para crear un modelo articulado, aunque hecho a partir de una criatura real. La película tuvo tanto éxito que Starewitz continuó con otras más que usaban criaturas reales, como La venganza del cámara (1911) y La hormiga y el saltamontes (1911), pero más tarde se pasó a las miniaturas en películas como El cuento del zorro (1937). En un período de unos cincuenta años, realizó 47 películas.

Charles Bowers, también conocido como Charles R. Bowers (1877-1946)

Charles Bowers no es necesariamente el más importante o destacado pionero en la historia de la animación dimensional, pero en años recientes se ha hecho famoso por sus películas excéntricas, casi escandalosas, realizadas en América en los años 20. Una de las más famosas es There It Is (1928), en la que animó a un pollo adulto saliendo de un huevo, una pequeña criatura con falda escocesa llamada MacGregor que vive en una caja de cerillas, y un cuco de un reloj de cuco al que se come un gato. ¡Un gusto adquirido!

Joseph Leeland Roop (1869-1932)

Nacido en Louisville, Kentucky, Roop es el pionero perdido de la animación dimensional. Su nombre ha llegado hasta el siglo XXI solamente debido a que sus cartas y fotografías han sido conservadas por el Museo de Historia Natural de Los Angeles. Comenzó a trabajar con la animación en 1916 o 1917, cuando hizo una película titulada The Birth of Christ, que usaba modelos animados. Hacia 1922 trabajó en una serie de cortos llamados Tom and Jerry en los que aparecía un chico (Tom) y una mula (Jerry) que tuvieron mucho éxito. En 1924, Roop trabajó en la película El mundo perdido como animador y ayudante de Willis O´Brien.

Willis O´Brien (1886-1962)

Willis O´Brien nació en Oakland, California, y tras probar diferentes carreras eligió, casi por accidente, el arte de la animación dimensional. En 1914, mientras trabajaba en una marmolería, construyó algunas figuras de arcilla y, con un amigo de la tienda, imitó una pelea entre las figuras. Como conocía algo sobre la animación, se dio cuenta de que podía dotar de vida a esas figuras, o mejor aún, a criaturas que siempre le habían fascinado: los dinosaurios.

En 1915 filmó un cortometraje que iba a ser crucial para el joven. Era The Dinosaur and the Missing Link en el cual aparecían un eslabón perdido de aspecto simiesco, un brontosauro y un phororhacos. Esto le llevó a trabajar para Thomas Edison en Nueva York en una serie de cortos, y después en otro cortometraje titulado The Ghost of Slumber Mountain (1919), en el que aparecían un brontosauro, un dyatrima, un triceratops y un alosaurio. Aunque tuvo un gran éxito, la película hizo discutir a O´Brien con su productor Herber Dawley.

Acabó trabajando para el productor Wattersn R. Rothacker, que poseía los derechos de las historias de Sir Arthur Conan Doyle, incluido la aventura de dinosaurios El mundo perdido. Esto significó el salto de O´Brien a los largometrajes. A lo largo de un período de cerca de dieciocho meses, O´Brien y su equipo diseñaron, construyeron y animaron toda una colección de criaturas prehistóricas para El mundo perdido (1925). Fue otro tremendo éxito, el mayor de su época.

Siguieron varios proyectos que no se realizaron, incluidos Frankenstein (1928), de manera que pasarían siete años desde el éxito de El mundo perdido hasta que O´Brien trabajara en su obra maestra, King Kong (1933).

La innovación que O´Brien había conseguido con El mundo perdido no era sólo una mayor fluidez en la animación, sino también integrar la acción real en varias escenas de manera que los actores pudieran reaccionar a las criaturas animadas. En King Kong mejoró su técnica hasta el punto de que las criaturas (sin duda alguna Kong) estaban tan bien integradas en la acción real que la animación fue la estrella de la película.

Siguieron varias películas (no todas con animación dimensional) con el productor de Kong Merian C. Cooper y muchos otros proyectos que no se llevaron a cabo. En 1945, Cooper le encargó trabajar en la producción de Mr. Joseph Young of Africa, otra película de simio gigante que acabaría titulándose El gran gorila (1949).

Aunque O´Brien ganó un Oscar por los Efectos Especiales en 1950 por El gran gorila (no existía tal categoría cuando se estrenó Kong), la película iba a ser su último gran logro. Trabajó en nuevos proyectos inconclusos y también en dos largometrajes de ciencia ficción de poca categoría: The Black Scorpion (1957) y The Sea Monster (tcc The Giant Behemoth) (1959), ninguno de los cuales fue bueno, ni por el diseño de los modelos ni por la animación.

Willis O´Brien murió a los setenta y seis años, el 10 de noviembre de 1962.

Alexandr Ptushko (1900-1973)

Un destacado animador ruso, Alexandr Ptushko realizó una serie de películas que usaban animación dimensional, pero aquella por la que será sobre todo recordado es una reinterpretación soviética de Los viajes de Gulliver de Jonathan Swift nada sorprendentemente titulada El nuevo Gulliver (1935/6). Ptushko usó arcilla con cabezas desmontables para los modelos, y hubo unos quinientos de ellos usados en todo el largometraje. No es precisamente un pequeño logro ni siquiera con cincuenta ayudantes.

Lou Bunin (1904-1994)

Otro animador nacido en Rusia fue Lou Bunin, aunque fue llevado a América a muy corta edad. El estilo de Bunin era caricaturesco, lo que se hizo más evidente en su corto propagandístico en tiempos de guerra Bury the Axis (1943), en el que satiriza a Mussolini, Hirohito y Hitler. En 1948 estrenó un proyecto que llevaba mucho tiempo queriendo realizar, hecho en Inglaterra y Francia, de Alicia en el País de las Maravillas (1951) de Lewis G. Carroll, por el que es sobre todo recordado. El largometraje combinaba acción real con animación dimensional, aunque las escenas en las que se combinaron utilizaban simples mates.

George Pal (1908-1980)

George Pal es hoy conocido por hacer largometrajes de historias de ciencia ficción, especialmente por La guerra de los mundos (1953) y El tiempo en sus manos (1960), pero comenzó su carrera en Europa como cineasta de cortometrajes usando animación dimensional, y antes de llegar a los EE.UU., ya se le atribuyen unos doscientos de ellos.

En 1949 amplió su trabajo con su primer largometraje, titulado The Great Rupert, en el que una ardilla salva a una familia de vodevil de la indigencia. Aunque las audiencias creían que la ardilla era real, estaba animada.

Aunque Pal no trabajó personalmente en la animación de este y de otros filmes posteriores, incluidos El pequeño gigante (1958), El tiempo en sus manos (1960), El maravilloso mundo de los hermanos Grimm (1962) y 7 Faces of Dr. Lao (1964), Pal siempre promovió el arte cuando le fue posible y nunca olvidó sus orígenes.

Karel Zeman (1910-1989)

Zeman comenzó con cortometrajes, pero pronto progresó a largometrajes. Su primer éxito fue Journey to the Beginning of Time (1955) (tcc Cesta do praveku y Journey to Prehistory), en el que cuatro chicos viajan a los tiempos prehistóricos encontrándose con todo tipo de dinosaurios.

Este y muchos otros de sus filmes estaban influenciados por las historias de Jules Verne, y su siguiente película no sólo estaba basada en Verne, sino que fue su más logrado largometraje. Se tituló Vynález zházy o, como se le conoce en la mayoría de países de habla inglesa, The Fabulous World of Jules Verne (1958). En el film aparecían un submarino, una nave voladora y un pulpo gigante.

Siguieron muchos más largometrajes, incluidos Baron Prásil (tccBaron Munchausen) (1961), Urradená vzducholod (tcc The Stolen Airship) (1967) y Na komete (tcc On a Comet).

Jim Danforth (1940-)

Comenzó a trabajar en Clokey Productions en insertos para The Dinah Shore Show y pasó a realizar parte de la animación de El tiempo en sus manos de George Pal. En 1961 fue empleado como animador en la pobre Jack the Giant Killer (1962), una copia de Simbad y la princesa. Jim animó varias secuencias, incluida la de la lucha entre el gigante de dos cabezas y el monstruo marino.

Siguieron varios largometrajes importantes como El maravilloso mundo de los hermanos Grimm de Pal (1962), en el que animó la secuencia del dragón, y 7 Faces of Dr. Lao (1963), para el que creó y animó al monstruo del Lago Ness.

A continuación llegó su mayor logro, Cuando los dinosaurios dominaban la tierra (1971) para la que diseñó y animó (con algo de ayuda de David Allen) un pterosaurio, cangrejos gigantes, un plesiosaurio y un dinosaurio sin nombre y el nacimiento de su cría, escena que se merece compararse a la del nacimiento del Ymir o a la del homúnculo de Ray Harryhausen.

Fuente:

http://rayharryhausenblog.blogspot.mx/p/pre-dynamation.html

Consultado 10 de septiembre de 2013. (19:05)